BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR. Mal rollito

 

BLANCANIEVES Y LA LEYENDA DEL CAZADOR. Título original: Snow White and the huntsman. País: USA. Año: 2012. Duración: 128 min. Dirección: Rupert Sanders. Intérpretes: Kristen Stewart, Charlize Theron, Chris Hemsworth, Sam Claflin, Bob Hoskins, Toby Jones, Nick Frost, Ian McShane, Ray Winstone, Brian Gleeson. Guión: Evan Dougherty, John Lee Hancock y Hossein Amini, basada en una historia de Evan Daugherty y en el cuento de los Hermanos Grimm. Producción: Sam Mercer y Joe Roth. Fotografía: Greig Fraser. Música: James Newton Howard. Montaje: Conrad Buff y Neil Smith. Diseño de producción: Dominic Watkins. Vestuario: Colleen Atwood. Distribuidora: Universal Pictures International Spain. Género: Fantástico, acción, drama. Estreno en USA: 1 Junio 2012. Estreno en España: 1 Junio 2012.

Siempre se ha dicho que los cuentos clásicos infantiles son, en su mayoría, de lo más terroríficos y sanguinarios ¡a saber qué traumas arrastraban los hermanos Grimm, Perrault y Andersen!. Pues bien, esta nueva versión cinematográfica de Blancanieves responde a ese planteamiento y es lúgubre como pocas.

Después de que hace sólo unos meses viéramos un fallido experimento más descarado y colorista titulado Blancanieves (Mirror, mirror) del director Tarsem Singh, con la megaestrella Julia Roberts como malvada bruja, ahora nos llega esta otra obra inspirada también en el mítico cuento. Sólo nos queda para comparar, de momento, la que ha realizado en España recientemente Pablo Berger (Torremolinos 73), en blanco y negro, y con Maribel Verdú como la pérfida hechicera. Hasta ésta, sin duda alguna, sigue ganando la versión de animación de la Disney de 1937 Blancanieves y los siete enanitos.

Eso sí, los que prefieran el mal rollito, los ambientes tétricos y fangosos, las cruentas batallas y el drama sin paliativos, podrán disfrutar con Blancanieves y la leyenda del cazador. Entre sus pros se encuentra una estupenda ambientación (atención a ese Bosque Oscuro), vestuario, fotografía y música, también una reina bellísima y letal en busca de un corazón que la perpetúe en la vida eterna (muy convincente Charlize Theron), y hasta un cazador creíble interpretado por el marido de Elsa Pataky, Chris Hemsworth, que de nuevo tiene que interpretar a un guerrero, cambiando el martillo que empuñaba en Thor por el hacha, pero con mejores resultados interpretativos.

Pero en mi opinión, lo malo supera a lo bueno es esta película, porque el excesivo protagonismo de la sosaína Kristen Stewart arruina cualquier esperanza de divertimento. Esta chica es una triste, inexpresiva total, y eso que su personaje tiene la garra del feminismo, pero ella se empeña en pasar de puntillas por él poniendo la misma cara que en la saga Crepúsculo (lo cual encantará a sus millones de seguidores, pero a mí no).

El guión tampoco me parece que avance a buen ritmo, se detiene demasiado en batallitas y deja poco espacio para la ironía o el romance. Los enanos, a los que se les reserva el toque humorístico de la función, están interpretados por actores de talla alta para después ser reducidos de tamaño por la técnica. Son grandes intérpretes aunque también pasan desapercibidos entre tanta tragedia.

PROFESOR LAZHAR. Educar con sentido común

 

PROFESOR LAZHAR. Título original: Monsieur Lazhar. País: Canadá. Año: 2011. Duración: 94 min. Dirección: Philippe Falardeau. Intérpretes: Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Danielle Proulx, Brigitte Poupart, Vincent Millard. Guión: Philippe Falardeau, basado en la obra de Evelyne de Chenelière. Producción: Luc Déry y Kim McCraw. Fotografía: Ronald Plante. Música: Martin Léon. Montaje: Stéphane Lafleur. Diseño de producción: Emmanuel Fréchette. Vestuario: Francesca Chamberland. Distribuidora: A Contracorriente. Género: Drama. Estreno en Canadá: 28 Octubre 2011. Estreno en España: 18 Mayo 2012.

Procede de Canadá, una cinematografía que no se prodiga demasiado por estos lares. Pero después de su nominación al Oscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa y de su paso afortunado por distintos festivales (entre ellos la pasada Seminci de Valladolid, donde consiguió el Premio de la Crítica y el de Guión) Profesor Lazhar llega a nuestros cines, siendo una de las películas de estreno más interesantes de la cartelera en estos momentos.

Recomendable, por supuesto, por su temática. Como las estimables Hoy empieza todo, de Bertrand Tavernier (1999), o La Clase, de Laurent Cantet (2008), también ésta se ocupa del complejo mundo de la educación. En concreto está ambientada en la fría ciudad de Montreal, en un aula de niños de 12 años que acaban de sufrir la muerte traumática de su profesora. Enterado por la prensa del suceso, como sustituto al puesto se presenta un inmigrante argelino, Bachir Lazhar, que será contratado de inmediato. Enseguida empleará sus particulares métodos para que los chicos se enfrenten a la pérdida de la maestra y a sus propios miedos al tiempo que él se reencuentra con su tragedia personal, la que le ha llevado a exiliarse a Canadá.

Este drama está narrado con una sensibilidad exquisita pero sin sensiblería lacrimógena, con ventanas abiertas al humor y con un sentido común que pone en evidencia las técnicas actuales de la enseñanza en oposición a la educación. Una educación plena, que también debería ser asignatura obligada en las escuelas y que tantas veces se deja a un lado para que sean los progenitores los que se ocupen de inculcar valores a sus hijos, sin conseguirlo siempre. Del papel real del profesorado, de las presiones de la burocracia en los colegios y su efecto en niños que todo lo captan, de todo esto y de más trata modestamente, sin efectismos pero con contundencia, Monsieur Lazhar.

Basada en una pieza teatral de Evelyne de la Chenelière, me llama especialmente la atención la excelente adaptación al lenguaje cinematográfico, porque no encontramos ni rastro de 'teatralidad' en las imágenes del filme. Si la comparamos con la sobrevalorada Un dios salvaje de Roman Polanski (2011), adaptación de una obra de Yasmina Reza, este Profesor Lazhar es un ejemplo de sutileza y naturalidad, en la que no se exageran hasta la náusea las situaciones ni se enfatizan los diálogos, como ocurría en la de Polanski-Reza.

Entre los aciertos de la película: el guión sin estridencias, firmado por el propio director Philippe Falardeau, que también debe apuntarse su maestría en el trabajo con los actores, sobre todo con los niños. Sin olvidar a los adultos, en especial a Fellag, el actor que encarna ese personaje con el que rápidamente nos identificamos y aceptamos, ese profesor Bachir Lazhar que llega con buenas noticias y es un afortunado, como indica el significado de su nombre en árabe.

UN LUGAR DONDE QUEDARSE. Las rarezas de Sean Penn

 

UN LUGAR DONDE QUEDARSE. Título original: This must be the place. Países: Italia, Francia e Irlanda. Año: 2011. Duración: 118 min. Dirección: Paolo Sorrentino. Intérpretes: Sean Penn, Frances McDormand, Eve Hewson, Judd Hirsch, Kerry Condon, Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten, David Byrne, Olwen Fouéré, Shea Whigham. Guión: Paolo Sorrentino y Umberto Contarello, basado en un argumento de Paolo Sorrentino. Producción: Francesca Cima, Nicola Giuliano y Andrea Occhipinti. Fotografía: Luca Bigazzi. Música: David Byrne, con letras de Will Oldham. Montaje: Cristiano Travaglioli. Diseño de producción: Stefania Cella. Vestuario: Karen Patch. Distribuidora: Alta Classics. Género: Drama. Estreno en Italia: 14 Octubre 2011. Estreno en España: 11 Mayo 2012.

Paolo Sorrentino nos sorprendió a muchos en 2008 con su primera película, Il Divo, una dinámica y rompedora biografía del controvertido político italiano, Giulio Andreotti, que obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de ese año. Pero en esta otra, donde vuelve a centrarse en un decadente divo pero de la música rock, interpretado por un esperpéntico Sean Penn caracterizado de gótico flipado, no es que me sorprenda, es que me deja noqueada (y no para bien, desde luego).

Dice el director italiano que durante la elaboración del guión y el rodaje de Un lugar donde quedarse, siempre tuvo en mente la maravillosa película de David Lynch, Una historia verdadera (1999), en la que un octogenario cruza Estados Unidos conduciendo su máquina cortacésped para reencontrarse con su hermano con el que hace años que no mantiene ninguna relación. Ojalá se hubiera parecido mínimamente a esta extraordinaria obra, pero ni de lejos. Aquí el personaje de Penn viaja también por la América profunda pero para encontrar a un nazi al que buscaba su padre recién fallecido, con el que tampoco se hablaba desde tiempo atrás. Y en lugar de en cortacésped, Cheyenne (así es como se llama el músico que interpreta Sean Penn con pinta de Sra.Doubtfire en negro azabache) se mueve asido siempre a su pequeña maletita de ruedas, que parece que tira de él de lo colgado que va.

Ni el ritmo narrativo, absolutamente plúmbeo, ni la intención de profundizar en el mundo interior del personaje principal, ni los encuentros de éste con otras gentes que van apareciendo en su camino, consiguen interesar al espectador mínimamente. Sólo sigues Un lugar donde quedarse porque no te puedes creer que Sean Penn sea el fantasma de pelo cardado que estás viendo desde el principio (si eliges la V.O.S también te sorprenderá el tono de voz que ha adquirido el actor para este papel).

Si tengo que destacar algo positivo de la película, me quedo con la fotografía y con el personaje de Rachel, la joven madre que acoge a Cheyenne en su viaje, el único que parece real de todos. La música también es de calidad.

En fin, si te van las excentricidades o eres incondicional de Sean Penn, échale un vistazo, pero si vas de cinéfilo normalito, elige otra peli de la cartelera.

MARTHA MARCY MAY MARLENE. La vida en una secta

 

MARTHA MARCY MAY MARLENE. País: USA. Año: 2011. Duración: 102 min. Dirección y guión: Sean Durkin. Intérpretes: Elizabeth Olsen, Christopher Abbott, Brady Corbet, Hugh Dancy, Maria Dizzia, Julia Garner, John Hawkes, Louisa Krause, Sarah Paulson. Producción: Josh Mond, Antonio Campos, Chris Maybach y Patrick Cunningham. Fotografía: Jody Lee Lipes. Música: Saundern Jurriaans y Danny Bensi. Montaje: Zac Sutart-Pontier. Diseño de producción: Chad Ketih. Vestuario: David Tabbert. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Género: Drama. Estreno en USA: 21 Octubre 2011. Estreno en España: 27 Abril 2012.

Otro director novel, Sean Durkin, que se arriesga y gana. Talento no le falta a este joven americano que ha conseguido con esta película de título de encadenado femenino el Premio al Mejor Director en Sundance, la cuna del cine indie. Durkin ha firmado también el guión de esta historia sobre una secta y las marcas que deja a quien consigue escapar de ella, como la protagonista, esa Martha Marcy May Marlene, porque con todos esos nombres responde la joven actriz Elizabeth Olsen cuando está atrapada física y emocionalmente en esa jaula para personas poco formadas, víctima de su idealismo adolescente y dependiente de un líder carismático y turbio como el que interpreta convincentemente John Hawkes (Winter's Bone).

La película narra tanto la vida de la protagonista en una secta camuflada de vergel ecologista y naturista tipo comuna hippy, como el complejo reencuentro posterior con su hermana y su cuñado, la poca familia que le queda. Especialmente conseguida está la relación entre las hermanas (Olsen y Sarah Paulson) que ofrecen un recital de credibilidad impactante. Los saltos de un escenario a otro se realizan en elegantes flashbacks, cargados de información, para entender tras cada uno de ellos el estado de confusión en el que se sumerge la chica y la incapacidad que tiene para enfrentarse de nuevo a una vida social sana.

Las atmósferas retratadas resultan de lo más veraces, también las emociones de la protagonista que pasan por el desasosiego, la extrañeza, la dependencia sexual, el horror total, el desconcierto... Atención al memorable momento musical protagonizado por el líder espiritual de la secta, el actor de rostro anguloso y voz profunda, John Hawkes, secundario de lujo en el cine y  músico con banda propia también.

Después de esta Martha Marcy May Marlene (MMMM) hay que seguirle la pista a la carrera de Sean Durkin.

DE TU VENTANA A LA MÍA. Poética de manual

 

DE TU VENTANA A LA MÍA. País: España. Año: 2011. Duración: 101 min. Dirección y guión: Paula Ortiz. Intérpretes: Maribel Verdú, Leticia Dolera, Luisa Gavasa, Roberto Álamo, Fran Perera, Pablo Rivero, Cristina Rota, Carlos Álvarez-Novoa, María José Moreno, Luis Bermejo, Julián Villagrán, Ramón Barea, Álex Angulo. Producción ejecutiva: Kike Mora, Puy Oria, Raúl García, David Matamoros y Montxo Armendáriz. Fotografía: Miguel Ángel Amoedo. Música: Avshalom Caspi. Montaje: Irene Blecua y Javier García Arredondo. Diseño de producción: Jesús Bosqued. Vestuario: Arantxa Exquerro y Guillén Doz. Distribuidora: Alta Classics. Género: Drama. Estreno en España: 9 Marzo 2012. Estreno en Sevilla: 20 Abril 2012.

Paula Ortiz ganó en la pasada Seminci de Valladolid el Premio 'Pilar Miró' al Mejor nuevo Director por ésta, su primera película. Un drama ambientado en tres épocas distintas y protagonizado por tres mujeres que persiguen el amor. La vida las somete a duras pruebas convirtiendo cada historia personal en una triste experiencia que, no obstante, casi siempre logra mantener una rendija de la ventana del título abierta a la esperanza.

Con marcado estilo poético, De tu ventana a la mía es un clásico ejercicio formal trabajadísimo en todos los aspectos técnicos, desde la ambientación al vestuario, la fotografía, la utilización de la música o el montaje (con unos recursos demasiado obvios de transición como ese ovillo de lana que se tiñe de rojo y que pasa de una protagonista a otra para enlazar las tres secuencias). En el apartado artístico, destacan las intensas interpretaciones de las damas protagonistas (Maribel Verdú, Leticia Dolera y Luisa Gavasa) y del resto del reparto, muy bien compenetrado pero pasado de trágico también. De las tres historias, la que transmite más fuerza y realismo es la protagonizada por los campesinos Maribel Verdú y Roberto Álamo en la dramática postguerra civil española. Lo dicho, un panorama de belleza y dolor excesivamente cargante y grandilocuente.

Paula Ortiz se postula así como una alumna aventajada del cine más pretencioso y engolado heredero del que realiza otra fémina con estela de sabia, Isabel Coixet, a la que parece admirar la novel directora aragonesa. Ésta, como la catalana, también firma el guión, un dechado de fina escritura pero también de una artificiosidad formal que sólo deja un regusto de pomposidad y afectación en el sufrido espectador.

REDENCIÓN (TYRANNOSAUR). Detrás de la violencia

 

REDENCIÓN (TYRANNOSAUR). Título original: Tyrannosaur. País: Reino Unido. Año: 2011. Duración: 89 min. Dirección y guión: Paddy Considine. Intérpretes: Peter Mullan, Olivia Colman, Eddie Marsan, Paul Popplewell, Ned Dennehy, Sian Breckin. Producción: Diarmid Scrimshaw. Fotografía: Erik Wilson. Música: Chris Baldwin y Dan Baker. Montaje: Pia Di Ciaula. Diseño de producción: Simon Rogers. Vestuario: Lance Milligan. Distribuidora: Festival Films. Género: Drama. Estreno en Reino Unido: 7 Octubre 2011. Estreno en España: 23 Marzo 2012.

Paddy Considine, el director y guionista de esta estimable aunque durísima película, debuta con Tyrannosaur en estos apartados aunque tiene en su haber una amplia carrera como actor, casi siempre secundario pero también con algún papel protagonista, por ejemplo: En América (2003) de Jim Sheridan. Buen conocedor del oficio, Considine, ha escogido al mejor reparto para su película, y nada más que por ver las excelentes interpretaciones del siempre magistral Peter Mullan (Mi nombre es Joe, Caballo de Batalla) y de la mucho menos conocida por estos lares pero igualmente excelente Olivia Colman (La dama de hierro), merece la pena pasar un mal rato viendo esta sórdida historia de almas dolidas que se encuentran en el camino a la esperanza.

Sí, porque la peli no es plato de buen gusto para paladares sensibles. Menos mal que su metraje es cortito, porque su violencia explícita resulta demoledora por momentos, aunque el propósito sea el de mostrar la luz al final del túnel. Un tipo torturado por la culpa y desbordado por la ira (Mullan) conoce a una mujer de firmes creencias religiosas que le extiende la mano (Colman), pero ella  también esconde un profundo dolor que va desvelando a lo largo de la película. No es conveniente conocer a priori mucho más del argumento porque Redención (Tyrannosaur) se propone sacudir al espectador tanto por sus sórdidas imágenes como por sus giros de guión, aunque también goza de un alto grado de espiritualidad y de esperanza, como dije antes.

El título original entronca con lo primitivo, con lo animal e impulsivo, mientras que el que se ha difundido en España resulta demasiado explícito en cuanto al desarrollo de la obra ¿para qué revelar tanto?. Creo que es mejor dejarse sorprender por los acontecimientos... pero no deben haberlo pensado así los distribuidores españoles. En fin.

El Festival de Sundance la ha concedido el galardón a la Mejor Dirección y el Premio Especial del Jurado para la pareja protagonista. A mí me parece una buena película, recomendable para un público exigente y que soporte medianamente distanciado las secuencias violentas.