LO MEJOR DE EVA. El cuerpo del delito

LO MEJOR DE EVA. País: España. Año: 2012. Duración: 93  min. Dirección: Mariano Barroso. Intérpretes: Leonor Watling, Miguel Ángel Silvestre, Nathalie Poza, Helio Pedregal, Josean Benegoetxea, Adriana Ugarte, José Luis Torrijo, Isabel Mata, Polina Kiriyanova, Lorena Vindel, Alberto Rubio. Guión: Mariano Barroso y Alejandro Hernández. Producción: Pedro Pastor, Rafael Portela, Jorge Tuca y Álvaro Augustín. Fotografía: David Omedes. Música: Arnau Bataller. Montaje: Pablo Más. Dirección artística: Rafa Jannone. Vestuario: Lala Huete. Distribuidora: Tripictures. Género: Thriller. Estreno en España: 10 Febrero 2012.

En tiempos en que la Justicia en España no está para muchos piropos, ver un thriller en el que la protagonista es una jueza impecable -Leonor Watling- prometía bastante, la verdad, pero la película de Mariano Barroso (Éxtasis, Los lobos de Washington, Hormigas en la boca) no se olvida de que dicha jueza, la Eva del título, también es mujer, con sus traumas, carencias, y por supuesto, debilidades. Una mujer que se pierde cuando entra en su vida un individuo con el cuerpo y la seducción del actor Miguel Ángel Silvestre. Ahí es nada.

El guión de Lo mejor de Eva tiene un planteamiento bueno, un nudo aceptable aunque con importantes baches (el encuentro de la pareja en la casa del lago), y un desenlace pésimo. Una pena, porque la factura técnica está muy conseguida, con una fotografía en la que destacan los primeros planos y planos detalle, así como los colores fríos. Me gusta también el reparto al completo, no sólo los protagonistas que hacen un gran trabajo tanto ella como él, también los secundarios, sobre todo Nathalie Poza, Adriana Ugarte y Luis Torrijo.

Pero vuelvo al guión, que es la base de todo, y lamentablemente falla. Los personajes principales están descompensados, mientras que el de Eva está concebido al detalle, con  multitud de datos para dar información exhaustiva de su carácter (aunque resulta confuso el flashback de la infancia), el de Rocco es de lo más plano, a pesar del esfuerzo por imprimirle misterio. Tampoco se puede aceptar la resolución tan atropellada que muestra Mariano Barroso, y que desde luego no voy a comentar para no desvelar más de la cuenta. Y muy chocante también me parece que un director solvente, sobre todo en sus primeras películas, siga rodando las secuencias de sexo de una forma tan convencional como lo hace aquí.

De todas formas, la peli no es totalmente desdeñable ¿cuántos títulos extranjeros se estrenan peores que éste cada semana y consiguen una estupenda taquilla?. En Lo mejor de Eva, al menos tenemos una historia interesante, unas interpretaciones muy dignas, y unos protagonistas con unos cuerpazos como para delinquir. Tú decides si echarle un vistazo o pasar de ella. Yo, después de verla digo que es prescincible, pero sobre gustos...

MONEYBALL. ¿Una peli sobre beisbol y apasionante? Increíble, pero así es

MONEYBALL: ROMPIENDO LAS REGLAS. Título original: Moneyball. País: USA. Año: 2011. Duración: 133 min. Dirección: Bennett Miller. Intérpretes: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Chris Pratt, Tammy Blanchard, Stephen Bishop. Guión: Steven Zaillian y Aaron Sorkin, basado en un argumento de Stan Chervin a partir de una novela de Michael Lewis. Producción: Michal De Luca, Rachael Horovitz, Scott Rudin y Brad Pitt. Fotografía: Wally Pfister. Música: Mychael Danna. Montaje: Christopher Tellefsen. Diseño de producción: Jess Gonchor. Vestuario: Kasia Walicka-Maimone. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Género: Biopic, drama. Estreno en USA: 23 Septiembre 2011. Estreno en España: 3 Febrero 20112.

Que en la terna de los Oscar de este año, siempre tan conservadores, se cuele una película sobre el deporte estrella en EEUU, no es de extrañar, pero que la cinta consiga enganchar y hasta fascinar al espectador foráneo y ajeno totalmente a las normativas del beisbol, sí que es un logro digno de considerar. Es lo que ocurre con Moneyball: Rompiendo las reglas, que a poco de empezar ya interesa lo que ves. Quizás porque el deporte es sólo una excusa para contarnos comportamientos y actitudes humanas.

El protagonista es un ex-deportista (Brad Pitt) convertido en gerente de un club menor que se las verá con la falta de presupuesto para sacar adelante su proyecto de equipo. En sus recorridos por los despachos donde se cuecen los entresijos del beisbol, conocerá a un joven talento de la economía (Jonah Hill) con el que empezará a trabajar para contratar a los jugadores con más probabilidades de triunfo.

El tándem Pitt-Hill, ambos nominados al Oscar en las categorías de actor principal y de reparto respectivamente, es uno de los grandes aciertos de la película. También, sin duda, el espléndido guión de Steven Zaillian (En busca de Bobby Fischer, American Gangster) y Aaron Sorkin (La guerra de Charlie Wilson, La red social). Ambos han logrado la difícil tarea de mantener al espectador durante más de dos horas de metraje pendientes de las negociaciones del protagonista, y lo han hecho evitando repetir los momentos de clímax en partidos vitales para trasladar la tensión máxima a las conversaciones entre dirigentes deportivos. La dirección de Bennett Miller, que ya me convenció en su anterior filme Capote (2005), consigue un buen ritmo narrativo y un equilibrio fantástico entre la presión profesional y la responsabilidad personal de sus protagonistas.

Diálogos brillantes y una emotiva trama secundaria entre el protagonista y la relación con su hija, son otros méritos de esta historia que, afortunadamente, sabe dosificar los flash back -casi siempre inoportunos y aquí con verdadero valor argumental-. Por ponerle alguna pega se me ocurre el desperdicio de una actriz tan buena como Robin Wright, cuyo papel se limita a unos escasos minutos como ex-esposa de Brad Pitt. En general, salvo el personaje de la niña, muy convincente y natural, las mujeres apenas hacen acto de presencia en Monyeball, una lástima. Eso sí Brad Pitt ha redondeado su mejor año como actor hasta la fecha que comenzó con la joya incomprendida por muchos de El árbol de la vida de Terrence Malick, mientras que el orondo Jonah Hill sigue subiendo peldaños en su carrera después de su memorable intervención en Cyrus (2010).

PROMOCIÓN FANTASMA. En ocasiones veo muertos... que estudian

PROMOCIÓN FANTASMA. País: España. Año: 2012. Duración: 89 min. Dirección: Javier Ruiz Caldera. Intérpretes: Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Andrea Duro, Jaime Olías, Alex Maruny, Anna Castillo, Aura Garrido, Javier Bódalo, Joaquín Reyes, Luis Varela, Carlos Areces, Silvia Abril, Elena Irureta. Guión: Cristóbal Garrido y Adolfo Valor. Producción: Francisco Sánchez, Simón de Santiago, Sandra Hermida, Edmon Roch y Eneko Lizarraga. Fotografía: Arnau Valls. Música: Javier Rodero. Montaje: Alberto de Toro. Dirección artística: Javier Alvariño. Vestuario: Cristina Rodríguez. Distribuidora: Hispano Foxfilm. Género: Comedia, fantástico. Estreno en España: 3 Febrero 2012.

Las sorpresas que te da el cine, porque una peli con un tráiler cuanto menos dudoso y unos antecedentes en la dirección, también mediocres (Spanish Movie es el primero y hasta éste, el único largometraje del director Javier Ruiz Caldera) consigue conquistar al espectador con su falta de pretensiones, su humor blanco, su logradísimo reparto y una historia súper simpática que además acerca el género de la comedia fantástica a España, un país mucho más acostumbrado a mostrar realidades en la pantalla.

Modesto, un profesor que hace honor a su nombre, ve muertos desde jovencito lo que le provoca bastantes quebraderos de cabeza. Para colmo, en su último trabajo en un instituto se topa con un grupito de chavales, también fantasmas, que no tienen otra manera de abandonar el mundo de los vivos que aprobando sus asignaturas pendientes. Así que el nuevo maestro se verá obligado a darles clases y así sacar del lío a la encantadora directora del centro, Tina.

Modesto y Tina están interpretados por los estupendos Raúl Arévalo, nuestro Sean Penn español pero con más sentido del humor, y Alexandra Jiménez, siempre creíble en sus actuaciones. Aquí además demuestran que entre ambos surge la archiperseguida "química". Sus compañeros de reparto son los jóvenes que encarnan a los problemáticos alumnos del centro, todos ellos han conseguido imprimir carisma a sus personajes, que no es poco, gracias también al correcto guión que les ha caído en suerte. Pero sobre todo destaca la galería de secundarios locuaces y hasta desternillantes que forman Carlos Areces, Joaquín Reyes, Luis Varela, Silvia Abril y Elena Irureta.

Promoción fantasma se inspira en las comedias de adolescentes, con fiestas incluidas, y en el género fantástico tipo Cazafantasmas, sin olvidar un guiño bastante evidente a la saga Crepúsculo por la relación que establecen un chaval muerto con una estudiante viva. En España, hasta ahora, habíamos visto películas de terror juvenil basadas en las sagas yanquis Scream o Sé lo que hicisteis el último verano, pero ésta es la primera vez que se conjugan dos estilos tan norteamericanos en una comedia española. Y eso tiene su mérito.

La eficaz selección de canciones de los ochenta combinada con una ambientación sencilla y nostálgica, favorecen a que el espectador se sienta cómodo ante esta peli que, si la ves sin prejuicios, te hará pasar un buen rato.

KATMANDÚ, UN ESPEJO EN EL CIELO. Llueve sobre mojado

KATMANDÚ, UN ESPEJO EN EL CIELO. País: España. Año: 2011. Duración: 104 min. Dirección: Icíar Bollaín. Intérpretes: Verónica Echegui, Sumyata Battarai, Norbu Tsering Gurung. Guión: Icíar Bollaín, con la colaboración de Paul Laverty. Producción: Luis de Val y Larry Levene. Fotografía: Antonio Riestra. Música: Pascal Gaigne. Montaje: Nacho Ruiz Capillas. Vestuario: Sonia Grande. Distribuidora: Alta Classics. Género: Drama. Estreno en España: 3 Febrero 2012.

Icíar Bollaín ha marcado su carrera como directora dentro del campo de la denuncia social. Se estrenó con la imperfecta pero rompedora Hola ¿estás sola, para seguir denunciando otras realidades en Flores de otro mundo o Te doy mis ojos, sus mejores títulos hasta la fecha. Continuó por la misma senda en Mataharis, otra película con carga social aunque de resultado más irregular que las anteriores. Da la impresión que a medida que la autora madura en el cine va dejando atrás esos rasgos de autenticidad y frescura que la habían marcado en sus inicios. Y así se pone de manifiesto sobre todo en el pinchazo que fue También la lluvia y ahora este Katmandú, un espejo en el cielo.

Ambas cintas están ambientadas y rodadas ya fuera de España, la primera en Bolivia y la segunda en Nepal. Y ambas buscan trascender en la denuncia social con problemas arraigados en esos países y en los continentes en los que se sitúan. Bollaín ha ampliado sus fronteras pero al mismo tiempo se ha cerrado puertas y en Katmandú vuelve a caer en los mismo vacíos que en También la lluvia. Como su admirado Ken Loach, se está viciando en la protesta mitinera para olvidarse de los sentimientos y emociones reales. Resulta evidente la influencia de Paul Laverty, guionista habitual del realizador británico, co-guionista de este Katmandú, y en lo personal, compañero sentimental de la directora. Su sello está patente pero carece de la fuerza y expresividad de sus mejores trabajos.

Katmandú, un espejo en el cielo está basada en la historia real de la profesora catalana Victoria Subirana, quien decide un día dar un giro a su vida para enseñar a los niños más desfavorecidos de Nepal. Ésta se hizo famosa en la década de los noventa cuando volvió a España para buscar apoyos para la construcción de una escuela en el país oriental. Verónica Echegui interpreta a la maestra con total entrega y absoluta convicción, pero su labor no se ve acompañada por la narración, siempre a trompicones, las subtramas deslavazadas, o esos inútiles flash back sobre su pasado que no sólo no aportan nada, sino que chirrían en el conjunto de la película.

Tampoco ayuda la versión en castellano de esta película que debía haberse estrenado sólo con subtítulos. Descentra al espectador ese pésimo doblaje que te saca de situación. Lo mejor es que Icíar Bollaín sigue siendo una excelente directora de actores y saca oro de su reparto de no profesionales, sobre todo destaca el marido nativo de la protagonista, al que hemos visto hace poco en un pequeño papel en El Havre, Norbu Tsering Gurung.

EL HAVRE. Mientras hay vida, hay esperanza

EL HAVRE. Título original: Le Havre. Países: Finlandia, Francia y Noruega. Año: 2011. Duración: 93 min. Dirección y guión: Aki Kaurismäki. Intérpretes: André Wilms, Kati Outinen, Jean-Pierre Darrousin, Blondin Miguel, Elina Salo, Evelyne Didi. Producción: Aki Kaurismäki, Fabienne Vonier y Reinhard Brunding. Fotografía: Timo Salminen. Montaje: Timo Linnasalo. Diseño de producción: Wouter Zoon. Vestuario: Fréderic Cambier. Distribuidora: Golem. Género: Drama social. Estreno en Finlandia: 9 Septiembre 2011. Estreno en España: 28 Diciembre 2011. Estreno en Sevilla: 7 Noviembre 2011 en el marco del Festival de Cine Europeo.

El cine finés sería un perfecto desconocido si no existiera Aki Kaurismäki, aunque a pesar de él quizás para el gran público sigue siéndolo. Pero seguro que muchos conocerán algún título de su larga obra en la que destacan: La chica de la fábrica de cerillas (1990), Contraté a un asesino a sueldo (1993, Un hombre sin pasado (2001), o este El Havre, que para mí ha sido todo un regalo.

No pude verla en el Sevilla Festival de Cine Europeo, pero la he recuperado en su estreno comercial. Algo que recomiendo a todo aquel que no la haya visto aún porque se puede llevar una sorpresa tan agradable como la mía. Es cine social pero distinto al que estamos acostumbrados. Lejos del pesimismo y negritud habitual en este género (recordad algunos títulos de Ken Loach o de Robert Guédiguian, por citar sólo dos ejemplos de directores europeos actuales) Kaurismäki desarrolla aquí una fábula que derrocha positividad por los cuatro costados. A pesar de retratar el ambiente más pobre de esta ciudad portuaria de la Normandía francesa, lo hace con una rica gama de colores de cuento. Y si sus gentes carecen de recursos, como es el caso, lo que no les faltan son valores humanos, sobre todo solidaridad. Desde luego no viven en un mundo ideal, sin problemas ni obstáculos, los tienen todos pero también tienen confianza y superan las adversidades ayudándose unos a otros. ¡Ejemplar!.

El protagonista de la historia es un limpiabotas que, por casualidades del destino, se hará cargo de un joven inmigrante ilegal mientras su esposa sufre una grave enfermedad. Un policía les vigila, pero las cosas no siempre son lo que parecen... Hay que descubrirla, hay que dejarse llevar por esa galería de cálidos personajes que miran a cámara como si les fuera la vida en ello, y hay que permitirse la posibilidad de que el mundo no sea tan triste y egoísta como los informativos se empeñan en proclamar. El Havre es un canto a la esperanza donde la música tiene un papel esencial (aunque quizás el único momento de la película que se me hace pelín pesado sea el del concierto benéfico de la vieja gloria recuperada).

Con un protagonista magistral, André Wilms (atención a su rostro en el plano en el que va a visitar a su esposa al hospital casi al final) y unas pinceladas de humor irónico tan inteligente como la película entera, El Havre es una de las mejores cintas del pasado año que, afortunadamente aún se puede encontrar en cartelera.

ASECAN ENTREGA SUS PREMIOS EL 2 DE FEBRERO EN CÓRDOBA

Los Premios del Cine Andaluz, que concede la Asociación de Escritores y Críticos de Cine de Andalucía, se entregarán el próximo sábado día 2 en la Filmoteca de Andalucía, con sede en Córdoba.

La gran triunfadora de este año 2012 ha sido la película La voz dormida que ha obtenido los premios al largometraje andaluz, con producción de Maestranza Films, a la dirección, para Benito Zambrano, y a la interpretación femenina, para Inma Cuesta y María León.

Otros ganadores este año son: Manuel Martín Cuenca, mejor guión por La mitad de Óscar. Antonio de la Torre, mejor interpretación masculina por Balada Triste de Trompeta. Tote Trenas, por la fotografía de Ispansi. Julio de la Rosa, por la música original de Primos. La Semana Internacional del Cortometraje de San Roque recibe el Premio ASECAN a la Difusión del Cine en Andalucía. Al Sur de la RTVA, mejor programa de TV. Cortocircuito de La Claqueta PC, para Giralda TV, es este año el Premio ASECAN a la labor informativa sobre cine.

El mejor cortometraje del 2012 es para Reflexiones de un picaporte, de Carlos Crespo.  Los amores difíciles de Lucina Gil, obtiene el premio al mejor documental andaluz. El mejor libro de cine es para Los españoles del western, de Juan Gabriel García. Y por último, las mejores películas españolas y extranjeras del 2012 son respectivamente: No habrá paz para los malvados de Enrique Urbizu, y Nader y Simin, una separación de Asghar Farhadi.

La gala de entrega de premios se celebrará a las 12.30 de la mañana del 2 de Febrero en la Filmoteca Andaluza en Córdoba.

JACK Y SU GEMELA. ¡Inenarrable!

 

JACK Y SU GEMELA. Título original: Jack and Jill. País: USA. Año: 2011. Duración: 91 min. Dirección: Dennis Dugan. Intérpretes: Adam Sandler, Katie Holmes, Al Pacino, Allen Covert, Eugenio Derberz, David Spade, Nick Swardson, Geoff Pierson, Santiago Segura. Guión: Steve Koren y Adam Sandler, basado en un argumento de Ben Zook. Producción: Jack Giarraputo, Todd Garner y Adam Sandler. Fotografía: Dean Cundey. Música: Rupert Gregson-Williams. Montaje: Tom Costain. Diseño de producción: Perry Andelin Blake. Vestuario: Ellen Lutter. Distribuidora: Sony Pictures Releasing de España. Género: Comedia. Estreno en USA: 11 Noviembre 2011. Estreno en España: 20 Enero 2012.

Debo reconocer que no tengo problema en ver comedias simplonas o irreverentes, porque a veces me llevo sorpresas agradables o simplemente río sin prejuicios ante algunas situaciones. Esto último es lo que me ocurrió con algún producto del tándem que aquí se repite, Adam Sandler-Dennis Dugan, como Os declaro marido y marido (2007) o Zohan: licencia para peinar (2008). Dos ejemplos de malas películas con momentos hilarantes, sobre todo la primera.

En Jack y su gemela ni por asomo he podido sonreír, no ya reír, porque es lamentable de principio a fin. No hay guión, sólo el desarrollo de las anécdotas de las desavenencias de unos hermanos gemelos de distinto sexo, por un lado, y el mundo de la publicidad, por otro, para ir encadenando secuencias ridículas o simplemente bochornosas, sin chispa de gracia. De nuevo recurren a escenas en las que se explota la escatología (los gemelos en el cine) o el feísmo y mal gusto (Al Pacino recreándose en la mancha de sudor de su amada o los michelines lamentables de Santiago Segura).

Lo curioso de esta peli es que aparezcan en el mismo casting estos dos apellidos: Pacino y Segura ¡increíble!. Al segundo lo entiendo: no podía perderse participar en una producción que le introducía en Hollywood y sobre todo, que le unía en el mismo reparto con el protagonista de El Padrino, pero lo del señor Pacino haciendo de él mismo pero sin vergüenza alguna no me lo explico, quizás sólo se entiende por el pastizal que habrá cobrado el mítico actor.